ENGLISH

Lourdes Rivera is a plastic artist who has developed a technique that mixes a wide variety of tools and mediums to create her artworks. She was born in mexico city but lived most of her life in San Diego, CA. where she painted and showed at different artists studios and galleries in California and Tijuana.

Rivera is the creator of Manuk Gallery an artistic space that she later opened in San Miguel de Allende at la Fabrica la Aurora. A sensitive woman attracted by the colors of nature and the world that surrounds her, she is always creating artworks that evoke emotions and hide organic forms or cityscapes between the brushstrokes and the textures she creates.

Her work that a few years ago was based on minuscule detail followed by realism now frees itself into a world full of textures where you can find the essence of nature as well as shapes that surround our daily life.


"The deep brushwork of Lourdes Rivera takes us through enigmatic characters and colorful natural beings dressed in various shades and textures. Their unique personalities seize our curious and attentive gaze. Likewise, their silhouettes emerge from the surface like ancient anthropomorphic figures that perhaps represent archaic emotional states, ancestral manifestations, and primitive gestures, while plants and animals accompany them. In this case, it is nothing less than the unconscious itself pulsating through her abstract strokes that describe anonymous bodies, unknown faces, deconstructed landscapes, joyful vegetation, and primordial ideologies. Without a doubt, these intriguing presences are outlined with compositional strength amidst uncertain atmospheres; however, together, they present us with images that feel familiar and known to the psyche.

Her prelude of colors, shapes, and protagonists evolves and matures into a beautiful pictorial discourse that oscillates between sophisticated naivety, fascinating Fauvism, and Neo-expressionism. Therefore, her protagonists are recreated in complex scenarios located deep within the imagination, filled with symbolism, and, hence, are far removed from the conscious world. In this sense, her work takes us, with great detail, to a pure state of understanding, quite distant from the real, like a first notion that is just beginning to emerge about what reality truly is.

It is worth noting that she captures this in a playful way, with some prehistoric, tribal, and even metaphysical references, but above all, from the deep recesses of her creative intuition, which grants her absolute freedom when painting. Therefore, in her paintings, we observe allusions to the popular, the instinctive, to seemingly childlike situations, yet laden with hidden meanings. We also perceive sensations hidden in the spirit that materialize in an abstract expressionist manner and, of course, we delight in a wide experimentation of materials, techniques, and elements in her canvases. That is why Lourdes Rivera is a sensitive creator of original color palettes, both sunny and cloudy, an exceptional delineator of contours, lights, and shadows, and, especially, a skilled creator of various reliefs and compositions in painting. While both spontaneity and freedom reign in her pieces, much like a tree that never stops growing, it is not the improvisation without meaning."

Adriana Cantoral 2025

ESPAÑOL

Lourdes Rivera es una artista plástica que ha desarrollado una técnica que mezcla una amplia variedad de herramientas y medios para crear sus obras de arte. Nació en la ciudad de México pero vivió la mayor parte de su vida en San Diego, CA. donde pintó y expuso en diferentes estudios y galerías de artistas en California y Tijuana.

Rivera es la creadora de la Galería Manuk, un espacio artístico que luego abrió en San Miguel de Allende en la Fabrica la Aurora. Mujer sensible atraída por los colores de la naturaleza y el mundo que la rodea, siempre está creando obras de arte que evocan emociones y esconden formas orgánicas o paisajes urbanos entre las pinceladas y las texturas que crea.

Su trabajo que hace unos años se basaba en minúsculos detalles seguidos del realismo ahora se libera en un mundo lleno de texturas donde se puede encontrar la esencia de la naturaleza así como las formas que envuelven nuestro día a día.

“El profundo pincel de Lourdes Rivera nos interna por entre incógnitos personajes y coloridos seres naturales ataviados de diversas tonalidades y texturas. Sus singulares personalidades se apropian de nuestra mirada curiosa y atenta. Asimismo, sus siluetas emergen del soporte como antiguas figuras antropomorfas que quizás representan estados emocionales arcaicos, manifestaciones ancestrales y gestualidades primitivas, mientras que sus plantas y animales los acompañan. En ese caso, se trata de, nada más y nada menos, el inconsciente mismo pulsando por entre sus trazos abstractos que describen cuerpos anónimos, rostros desconocidos, paisajes deconstruidos, vegetaciones alegres e idearios primigenios. Sin duda, esas intrigantes presencias se delinean con fuerza compositiva en medio de atmósferas inciertas, sin embargo, en conjunto nos resultan imágenes familiares y conocidas por la psique.

Su proemio de colores, formas y protagonistas se va desarrollando y madurando en un bello discurso pictórico que oscila entre un sofisticado naif, un fascinante fauvismo y un neo expresionismo. Por ello, sus protagonistas se recrean en complejos escenarios que se sitúan en lo más recóndito de la imaginación, llenos de simbolismos, y, por ende, se encuentran muy alejados del mundo consciente. En ese sentido, su obra nos remonta, con lujo de detalle, a un estado puro de entendimiento, bastante apartado de lo real, tal como una primera noción, que apenas va saliendo a la luz, de lo que en verdad es la realidad.

Cabe destacar que lo plasma de una manera lúdica, con algunas referencias prehistóricas, tribales y hasta metafísicas, pero, sobre todo, desde las hondas entrañas de su intuición creativa que le brinda una libertad absoluta a la hora de pintar. Por lo tanto, en sus cuadros observamos alusiones a lo popular, lo instintivo, a situaciones aparentemente infantiles, no obstante, cargadas de significados ocultos, también apreciamos sensaciones escondidas en el espíritu que se materializan de un modo expresionista abstracto y, por supuesto, nos deleitamos con una amplia experimentación de materiales, técnicas y elementos en sus lienzos. Por eso, Lourdes Rivera es una sensible hacedora de originales paletas cromáticas, tanto soleadas como nubladas, una excepcional trazadora de contornos, luces y sombras y, en especial, es una atinada creadora de distintos relieves y composiciones en la pintura. Si bien, dentro de sus piezas reina tanto la espontaneidad como la soltura, tal cual un árbol que no deja de crecer, más no la improvisación sin sentido alguno.”

Adriana Cantoral 2025

ENGLISH

Erick is a contemporary mexican folklore artist from San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx.

The patterns of his work are inspired by the tiles of the house of his grandparents in the mountains of San Cristóbal de las Casas. For decades, her grandmother searched for discarded tiles on the streets and added to her house and patios, the entire floor did not match, all the tiles were different colors and textures and each one represented different times of Mexico. The tiles are read as a timeline of a cultural and creative change in Chiapas from one end of the floor to the other. Since then he has tried to recreate those patterns and tell his own stories.

On this occasion Erick presents us his paintings, in which he captures moments when his grandmother healer of San Cristóbal, helped people to improve their health through traditional medicine, all these events happened at his grandmother's house where Erick witnessed of such facts, one of the main remedies is the ointment for burned, this ointment cured hundreds of people.

ESPAÑOL

Erick es un pintor de Folklore Mexicano Contemporáneo de San Cristóbal de las Casas, Chiapas, Mx.

Los patrones de su obra están inspirados en los azulejos de la casa de sus abuelos en las montañas de San Cristóbal de las Casas. Durante décadas, su abuela buscó en las calles baldosas desechadas y agregó nuevas cada mes en su casa y patios, todo el piso no coincidía, todas las baldosas eran de diferentes colores y texturas y cada una representaba una época diferente de Mexico. Los azulejos se leen como una línea de tiempo del cambio cultural y creativo en Chiapas de un extremo al otro del piso. Desde entonces ha intentado recrear esos patrones y contar sus propias historias.

En esta ocasión Erick nos presenta sus pinturas, en las que captura momentos en que su abuela curandera de San Cristóbal, ayudaba a las personas a mejorar su salud a través de la medicina tradicional, todos estos hechos sucedieron en la casa de su abuela donde Erick presenció tales hechos, uno de ellos, el remedio principal es la pomada para quemaduras, esta pomada curó a cientos de personas.

(English below)

Artista visual originaria de San Luis Potosí, SLP. Estudió durante dos años diseño gráfico y animación en la Universidad Tec Milenio en San Luis Potosí, SLP. y posteriormente dos años de diseño digital en la Universidad de Artes Digitales en Guadalajara, Jal. Complementa su aprendizaje con talleres de ilustración y pintura en el Centro de las Artes de San Luis Potosí, de pintura y cerámica en el Centro Cultural El Nigromante en San Miguel de Allende, Gto. Así como la constante búsqueda creativa en su taller.

Desarrolla su obra pictórica mediante técnicas como: acuarela, cerámica, pintura acrílica y al óleo. A partir de la exploración de estas, intenta entender y sublimar emociones, sueños, ideas y pensamientos. Darse la oportunidad de observar su aspecto y evolución. 

En su trabajo, suele inclinarse por lo figurativo con interés especial en la feminidad, paisajes y nubes. En otras ocasiones, también por la exploración de formas o realidades inexistentes que van adquiriendo sus propias reglas y flujo.

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Visual artist originally from San Luis Potosí, SLP. She studied graphic design and animation for two years at Universidad Tec Milenio in San Luis Potosí, SLP, and later studied digital design for two years at the Universidad de Artes Digitales in Guadalajara, Jal. She complements her education with illustration and painting workshops at the Centro de las Artes de San Luis Potosí, and painting and ceramics workshops at the Centro Cultural El Nigromante in San Miguel de Allende, Gto. She also engages in ongoing creative exploration in her studio.

She develops her pictorial work using techniques such as watercolor, ceramics, acrylic painting, and oil painting. Through the exploration of these techniques, she seeks to understand and sublimate emotions, dreams, ideas, and thoughts, giving herself the opportunity to observe their appearance and evolution.

In her work, she tends to favor figurative art with a special interest in femininity, landscapes, and clouds. At times, she also explores shapes or non-existent realities that acquire their own rules and flow.

Ana Ragá es una artista multidisciplinaria con especial interés en la pintura. Su trabajo explora la luz y las posibilidades escultóricas de la pintura.
En sus conceptos cuestiona estereotipos de la cultura con particular énfasis en temas de género.
Nació en 1990 en un pueblo pequeño donde las interacciones sociales son estrechas. Donde pensar en el otro es natural. Para ella, hacer conexiones y comunidad es la clave para transformar las ideas de una sociedad.
Ragá estudió diseño de Producto en la Universidad Iberoamericana y Diseño Textil en el InstitutoNacional de Bellas Artes.
Su formación artística ha sido autodidacta y a finales del 2015 tuvo su primera exposición individual en Torre Mayor, CDMX.
Actualmente Ragá trabaja en un proyecto de 8 murales para la iglesia de la Unión de San Antonio, Jalisco.

Colectivamente, destaca su participación en la exposición Tierra Pródiga, 200 años de Arte en Jalisco en el Ex Convento del Carmen, Guadalajara (2023-2024); Fundación Sebastián, Ciudad de México (2021) Museo Soumaya, Ciudad de México (2016); en el Museo Municipal de Tepatitlán (2018, 2019) y en el Salón de Octubre en el Ex Convento del Carmen (2016), donde su obra Paraíso Terrenal recibió mención honorífica

Su serie Lunática, se presentó en Galería Libertad, Qro. en febrero del 2024 y en julio en el Museo de Arte Contemporáneo 8 (MAC8), Aguascalientes.

En 2022 presentó Agua de Luna en el Museo de Arte Mexiquense en Toluca (colectiva) y en Fábrica La Aurora, San Miguel Allende. En 2023 la muestra se expuso en el Museo Bicentenario de Dolores Hidalgo.

Su muestra, A Flor de Piel, se presentó en la Galería Terrescalli en 2018 y en la Biblioteca Pública de San Miguel de Allende en 2019.

También en 2018 la obra Iridiscente obtuvo el primer lugar en el Premio Regional de Pintura de los Altos de Jalisco, sumándose a la muestra Los Altos hoy, que se presentó en diferentes centros culturales de la región.

En 2017 su obra Herencia obtuvo el segundo lugar en el Premio Regional de Pintura de los Altos de Jalisco.

Su colección Universøpolis se expuso en el Corredor Cultural Roma Condesa y en el Museo Bicentenario de Dolores Hidalgo (2017); en el 2018 en el Centro Cultural Manuel González Serrano dentro del Festival Cultural de Marzo en Lagos de Moreno y en el Centro Cultural Valle de Guadalupe.

Reconocimientos

2018 Primer lugar, Premio Regional de Pintura de los Altos de Jalisco

2017 Segundo lugar, Premio Regional de Pintura de los Altos de Jalisco

2016 Mención Honorífica, Salón de Octubre, Guadalajara

ESPAÑOL

“En su obra de arte, Aarón García devela su  genialidad, el gesto onírico de sus trazos, su colorido, sus ambientes y su lenguaje propio del arte hecho en Oaxaca.

Su lectura de ancestrales culturas milenarias, con las que alcanza una sublime fusión de riqueza abstracta.

Artista plástico oaxaqueño de estilo abstracto, que gracias a sus pinturas, hace transitar al espectador, por un mundo lleno de líneas, colores y diálogos íntimos personales”.

     Malke Tapuach.

ENGLISH

"In his artwork, Aarón García reveals his genius, the dreamlike gesture of his brushstrokes, his use of color, his atmospheres, and his language unique to the art created in Oaxaca.

His interpretation of ancient millennial cultures leads to a sublime fusion of abstract richness.

A Oaxacan visual artist with an abstract style, who, through his paintings, takes the viewer on a journey through a world full of lines, colors, and intimate personal dialogues."

Malke Tapuac

Francisco Rangel (Ciudad de México, 1982) se graduó como artista visual en la Universidad de las Artes (2007) en la ciudad de Aguascalientes en donde actualmente vive y trabaja.

Su obra parte de la pintura al óleo como base para experimentar con materiales adicionales que va adhiriendo según la afinidad del proyecto, como el cemento, el alambre y el vidrio. En los últimos años ha desarrollado una serie de obras que hablan sobre el desarrollo urbano acelerado y cómo es que el desplazamiento de los habitantes se ven afectado, al no poderse apropiar del espacio.

Fue ganador de la Bienal Enrique Guzmán, Aguascalientes (2022) y ha expuesto en diferentes partes del país, como el Museo de Arte Contemporáneo no. 8, Aguascalientes. y ha sido parte de concursos y bienales como la Bienal Tamayo, Oaxaca, (2020), Bienal Joaquín Clausell (2023), Bienal Alfredo Zalce, Michoacán, (2009). Fuera de las fronteras, Concurso Martos, España (2022), Casa Pedro Murillo, Bolivia (2019) Concurso Acqui, Italia (2015).

Artista Visual

Comenzó su vida artística entre vagones de tren junto con los grafiteros de la colonia Estación del Ferrocarril en San Miguel de Allende, Guanajuato.
Su interés por las letras y el graffiti en combinación con las técnicas del dibujo arquitectónico y el diseño industrial lo ha llevado a incursionar en el medio artístico, logrando progreso en la técnica mixta y pictórica con lo cual ejerce su pasión que va desde lo figurativo hasta actualmente el arte abstracto con características del arte urbano (graffiti) que tiene que ver con la plástica de alguna forma; ha realizado un sin número de pinturas ilegales abordando temas sociales, amor al barrio, el arte por el arte, frases poéticas, alegorías al Ferrocarril, retratos y rótulos.
En su obra es evidente el uso de la caligrafía, topografía, retratos y paisajes cotidianos, ya que su mayor interés es representar lo que vive; asimismo el se considera un artista realista que expresa por medio del arte lo Real de la vida común. Esta sensibilidad abierta y atenta así como su capacidad creadora y alentada por el deseo de la experimentación y el conocimiento han conducido a Manuel a desarrollar su técnica y a ir descubriendo mejorando su propio lenguaje.

English Below

Pintor, ilustrador, grabador, ingeniero papel, diseñador de vestuario y sombreros, fabricante de juguetes escultóricos en pieza única, Bruno Fourure explora varios campos y técnicas artisticas, pinturas en oleo o acuarela, dioramas y arte objeto, realizando una obra figurativa a la frontera del surrealismo.

Bruno Fourure nace el 8 de mayo de 1962 en Lille, Francia. Cursó la licenciatura y Maestría en diseño gráfico en el “Ecole Supérieure des Arts appliqués et textiles” ESAAT, Roubaix, Francia. Y se especializó en técnicas antiguas de grabado en talleres de la Ciudad de México (2018).

Obtuvo el premio de literatura infantil “Octogone” del Centro Nacional de Estudios en Literatura Infantil en la “Fureur de lire” Charleville- Méziè-res, Francia (1991) y la mención honorífica en la 13va edición del premio de literatura infantil Pier Paolo Vergerio, Universidad de Padua, Italia, categoría literatura didáctica (1993).

Formó parte del equipo creativo como autor, guionista y diseñador gráfico para la serie de dibujos animados con el tema de las “mil y una noches” producida por la televisión francesa FRANCE2 (1993-2000)

En sus exposiciones individuales destacan: la feria internacional de arte BADA.MX en CDMX (2020). La muestra de obra gráfica que tiene un espacio permanente en la galería Vórtice en CDMX (2019-2020). Muestra de obra gráfica, arte objeto y cajas en la galería Camino Silvestre en San Miguel de Allende, Gto. (2019). Proyecto y exposición “Ópera de papel” que itinero por varias sedes: centro cultural Teatro García Carrillo en Saltillo, Coahuila (2008); Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, Jal. (2008) centro Educativo y Cultural Manuel Gómez Morín en Queretaro, Qro.

(2006); Museo Universitario del Chopo, CDMX (2005). La serie de arte objeto “el tren de los animales” se presenta en el Papalote-museo del niño de la CDMX (2006). Así mismo el primer libro que diseña en tercera dimensión “La medina de Túnez” se presenta en exposición en la feria internacional del libro infantil en Boloña, Italia (1989). Su trabajo también se presentó en la feria internacional de los ilustradores en Paris, Francia (1985).

En exposiciones colectivas destaca su participación en: galería Aguafuerte y galería Vórtice en CDMX (2020) Sociedad Dante Alighieri en CDMX (2019) Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte, CDMX (2019).

Su obra forma parte de colecciones privadas en Nueva York, USA, Paris, Francia; San Petersburgo, Russia; San Miguel de Allende, Monterrey y la ciudad de México; y San Juan, Puerto Rico.

La obra de Bruno Fourure tiene su origen en el mundo de la infancia, se enraíza profundamente en un trabajo ilustrativo dirigido a un público joven en productos de libros y revistas infantiles, libros en tercera dimensión (pop up book) donde se explora el mundo cruzando los campos del conocimiento, el arte con la ciencia, el arte con la historia y la geografía, el arte con la antropología. Para Fourure la imagen narrativa es el espacio de cruzamiento de los saberes que permite construir un teatro del mundo.

Con el tiempo y los encuentros amplía sus campos de actividades a varios medios artísticos, abriendo por completo el abanico de sus habilidades artísticas: al teatro, con la realización del vestuario de Astrid Hadad, al arte objeto con el deseo de unir la ilustración animalista con el volumen, al arte tridimensional a través de “cajas” en las que el mundo sideral de las constelaciones se vuelve microscópico, a la pintura en óleo, acuarela, acrílica o grabado para reconciliar la memoria familiar y nacional con el tema de la primera guerra mundial.

English

Painter, illustrator, engraver, paper engineer, costume and hat designer, manufacturer of sculptural toys in unique pieces, Bruno Fourure explores various fields and artistic techniques, oil or watercolor paintings, dioramas and object art, creating a figurative work at the frontier of surrealism.

Bruno Fourure was born on May 8, 1962 in Lille, France. He completed a Bachelor's and Master's degree in graphic design at the "Ecole Supérieure des Arts appliqués et textiles" ESAAT, Roubaix, France. And he specialized in ancient engraving techniques in workshops in Mexico City (2018).

He won the "Octogone" children's literature award from the National Center for Studies in Children's Literature at the "Fureur de lire" Charleville-Méziè-res, France (1991) and the honorable mention in the 13th edition of the Pier Paolo Vergerio children's literature award, University of Padua, Italy, didactic literature category (1993).

He was part of the creative team as author, screenwriter and graphic designer for the cartoon series with the theme of “Arabian Nights” produced by French television FRANCE2 (1993-2000)

In his individual exhibitions, the following stand out: the international art fair BADA.MX in CDMX (2020). The exhibition of graphic work that has a permanent space in the Vórtice gallery in CDMX (2019-2020). Exhibition of graphic work, object art and boxes at the Camino Silvestre gallery in San Miguel de Allende, Gto. (2019). Project and exhibition "Paper Opera" that toured several venues: Teatro Garcia Carrillo cultural center in Saltillo, Coahuila (2008); Zapopan Art Museum, Guadalajara, Jal. (2008) Manuel Gómez Morín Educational and Cultural Center in Queretaro, Qro.

(2006); Chopo University Museum, CDMX (2005). The object art series “the animal train” is presented at the Papalote-children's museum in CDMX (2006). Likewise, the first book that he designed in three dimensions, "The medina of Tunis" was exhibited at the international children's book fair in Bologna, Italy (1989). His work was also presented at the International Illustrators Fair in Paris, France (1985).

In collective exhibitions, his participation stands out in: Agua-Vórtice Fort and Gallery in CDMX (2020) Dante Alighieri Society in CDMX (2019) Fundación Cultural Trabajadores de Pascual y del Arte, CDMX (2019).

His work is part of private collections in New York, USA, Paris, France; Saint Petersburg, Russia; San Miguel de Allende, Monterrey and Mexico City; and San Juan, Puerto Rico.

Bruno Fourure's work has its origin in the world of childhood and is deeply rooted in an illustrative work aimed at a young audience in children's book and magazine products, three-dimensional books (pop up book) where the world is explored crossing fields of knowledge, art with science, art with history and geography, art with anthropology. For Fourure, the narrative image is the space where knowledge intersects that allows the construction of a “theater” of the world.

With time and encounters, he broadened his fields of activities to various artistic mediums, completely opening the range of his artistic abilities: to the theatre, with the making of Astrid Hadad's costumes, to object art with the desire to unite animalist illustration with volume, to three-dimensional art through “boxes” in which the sidereal world of the constellations becomes microscopic, to oil painting, watercolor, acrylic or engraving to reconcile family and national memory with the theme of the First World War.

"El hombre en el ojo"

Crea un viaje introspectivo hacia las emociones humanas.
El ojo, una maravilla de la naturaleza, se convierte en un portal metafórico a través del cual exploro la naturaleza del observador y lo observado.
Mis formas y figuras buscan capturar las complejidades de la expresión, desvelando las palabras no dichas ocultas en la mirada de los ojos.

"El sistema con el que perforo y construyo elementos de mi alma, para transmitir la belleza de la luz"

Mi obra abarca una variedad de técnicas, las cuales han fortalecido mi percepción cultural. Mi enfoque actual está en el sutil diálogo entre la sensualidad de la naturaleza y sus distintos estados emocionales, pero al mismo tiempo, cómo estos están conectados de manera contundente.

Los elementos y las miradas de los rostros que son testigos de historias se mantienen firmes con persistencia. La geometría que refleja sentimientos enlaza los componentes para crear tiempo.

A su vez, las historias de la vida inician una conexión con el espectador. Busco crear una sensación que penetre en la mente del público.


ENGLISH

"The man in the eye"

Creates an introspective journey into human emotions.
The eye, a marvel of nature, becomes a metaphorical portal through which I explore the nature of the observer and the observed.
My shapes and figures aim to capture the intricacies of expression, unveiling the unspoken words hidden in the look of the eyes.

"The system with which i pierce and construct elements of my soul, to transmit the beauty of the light"

My work covers a variety of techniques, which have strengthened my cultural perception. My current focus is on the subtle dialogue between the sensuality of nature and the different emotional states of it, but at the same time, how these are connected forcefully.

The elements and the looks of the faces that witness stories lie strong with persistence. The geometry that reflects feelings link the components to create time.

In turn, the stories of life initiate a connection with the viewer. I seek to create a feeling that penetrates the mind of the public.

ENGLISH

Jorge Francisco Hernández is a painter from Guanajuato who is mainly interested in the landscape, a pictorial genre that he considers inexhaustible and that can be approached in many ways. In addition to considering that it has a great validity and plastic possibilities.

He studied philosophy with a focus on the branch of Aesthetics, at the University of Bologna in Italy.

Since he was a child he attended the painting workshop of the master Javier Hernández "Capelo" and has taken courses in pictorial techniques with the master Luis Nishizawa.

The paintings exhibited in the Manuk gallery are part of the series "A time to shut up". His motivation stems from the joy of observing nature as a counterpoint to the time full of speed and contradictions in which we live. In addition, each painting is an invitation to reflection, to silence, to the act of active contemplation and that seeks to set aside excesses in the search for a more elaborate theme to communicate a message clearly and for all audiences, but without sacrificing in depth. A little in the spirit of the phrase attributed to Ortega y Gasset: "Clarity is the courtesy of the philosopher."

The pictorial technique chosen for this series was tempera. Technique that dates back to ancient times and that possibly had its origin in Egypt and which was brought to its highest degree of perfection by the Renaissance masters and was overshadowed for centuries by the arrival of oil. It has the characteristics of using the egg yolk as a binder, of having a particular luminescence and of not making a chemical reaction with the pigments or of turning yellowish (as in the case of oil) over time.

ESPAÑOL

Jorge Francisco Hernández es un pintor guanajuatense qué se interesa principalmente en el paisaje, género pictórico al que considera inagotable y que puede ser abordado de muchas maneras. Además de que considera que tiene una gran vigencia y posibilidades plásticas.

Estudió filosofía con enfoque en la rama de la Estética, en la universidad de Bolonia en Italia.

Desde niño asistió al taller de pintura del maestro Javier Hernández "Capelo" y ha tomado cursos de técnicas pictóricas con el maestro Luis Nishizawa.

Los cuadros exhibidos en la galería Manuk son parte de la serie "Un tiempo para callar". Su motivación nace desde la alegría de la observación de la naturaleza como contrapunto a la época llena de velocidad y contradicciones en que vivimos. Además cada cuadro es una invitación a la reflexión, al silencio, al acto de la contemplación activa y que pretende dejar de lado excesos en la búsqueda de una temática más elaborada para comunicar un mensaje de manera clara y para todo público, pero sin sacrificar en profundidad. Un poco dentro del espíritu de la frase atribuida a Ortega y Gasset: "La claridad es la cortesía del filósofo".

La técnica pictórica escogida para este serie fue el temple. Técnica que data desde la antigüedad y que posiblemente tuvo su origen en Egipto y la cual fue llevada a su más alto grado de perfección por los maestros del renacimiento y que quedó opacada durante siglos por la llegada del óleo. Tiene las características de usar la yema de huevo como aglutinante, de tener una particular luminiscencia y de no hacer reacción química con los pigmentos o de tornarse amarillenta (Como el caso del óleo) a través de tiempo.

Roberto Bear es un artista visual autodidacta, quien desde pequeño mostró talento para el dibujo y la pintura. Si bien es aún considerado como artista emergente, su trayectoria con la escultura inició hace ya casi una década; área de las artes plásticas en las que ha decidió enfocarse primordialmente.

Su técnica es probablemente única, puesto que nadie como él ha sabido hasta el momento cómo sacar provecho de todo tipo de envase plástico que llega a sus manos para dar forma a complejas estructuras que posteriormente son revestidas con una pasta procesada personalmente elaborada con papel o cartón. El resultado termina siempre sorprendiendo: robustas esculturas con formas humanas que al tacto y a la vista más bien parecen esculpidas en piedra o cantera. Su técnica ha sido el fruto de un proceso de economía de aprendizaje que ha perfeccionado con los años; teniendo siempre como objetivo el reciclaje de plástico, papel y cartón.

La figura femenina es hasta el momento el tema predilecto en el que ha basado la mayor parte de su obra, la cual aprovecha magistralmente para abordar temas sensibles como el cáncer de mama, el pie diabético y la violencia contra la mujer. Actualmente, continúa desarrollando proyectos escultóricos con los que pretende concientizar al público de la importancia y aprovechamiento del reciclaje.

Destruir para reconstruir,
desechos perniciosos que
se transfiguran y se recomposicionan.
Transmutan de inertes a etéreos...
y viceversa;
iniciando diálogos o discursos
que sólo pretenden hacernos recapacitar
sobre lo que estamos haciendo
y el porqué lo hacemos.
No sé cómo definir mi trabajo con
exactitud. Sólo sé que un día comencé
a reciclar todo aquello que caía en mis
manos: cartones, revistas, botellas.
Los envases me permiten realizar
estructuras que recubro con una pasta
hecha de cartón y papel reciclado que
elaboro yo mismo, y la cual he ido
perfeccionando con el tiempo.
Totalmente autodidacta. Comencé por
el dibujo e incursioné también en la
pintura; sin embargo, he hallado en la
escultura el medio adecuado para
transmitir ideas, puntos de vista y
principalmente...
mis convicciones.

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Roberto Bear is a self-taught visual artist, who from a young age showed talent for drawing and painting. Although he is still considered an emerging artist, his career with sculpture began almost a decade ago; area of ​​the plastic arts on which he has decided to focus primarily.

His technique is probably unique, since no one like him has known until now how to take advantage of all types of plastic packaging that comes into his hands to shape complex structures that are subsequently covered with a personally processed paste made from paper or cardboard. . The result always ends up surprising: robust sculptures with human forms that to the touch and sight seem more like they were sculpted in stone or quarry. His technique has been the fruit of a process of learning economy that he has perfected over the years; always aiming to recycle plastic, paper and cardboard.

The female figure is to date the favorite theme on which she has based most of her work, which she masterfully takes advantage of to address sensitive topics such as breast cancer, diabetic foot and violence against women. Currently, he continues to develop sculpture projects with which he aims to raise public awareness of the importance and use of recycling.

Destroy to rebuild, pernicious waste that is transfigured and recomposed.

They transmute from inert to ethereal...

and vice versa;

starting dialogues or speeches that only aim to make us think about what we are doing and why we do it.

I don't know how to define my job exactly. I only know that one day I started recycling everything I could get my hands on: cardboard, magazines, bottles.

The containers allow me to make structures that I cover with a paste made of cardboard and recycled paper that I make myself, and which I have perfected over time.

Completely self-taught. I started with drawing and also ventured into painting; However, I have found in sculpture the appropriate medium to transmit ideas, points of view and mainly...

my convictions.

Lorenzo (Torreón, Coahuila, 1985) Torreonita de nacimiento, cosmopolita por elección. Terminó la carrera de arquitectura a temprana edad para darse cuenta que amaba la construcción de todos aquellos que rodean su extravagante mente, tanto en volumen como en papel. Comenzó a crear cosas para evitar ir al psicólogo sin darse cuenta que eso delinearía las líneas que hoy moldean su vida. Excéntrico, bohemio y barroco hasta la médula, todo es parte de su búsqueda de la felicidad. Estudió en la facultad de arquitectura y rápidamente se enfocó en el arte tomando clases de pintura con Gustavo Montes para después ingresar al taller de gráfica de Chanate, donde estudió durante 6 años con Miguel Canseco, tomó cursos con diferentes maestros reconocidos en el arte como: el Castro Leñero, Nunnik Sauret, Gilberto Aceves Navarro, José Fors y Plinio Ávila. Un año después se mudó al distrito federal, donde comenzó a trabajar como ilustrador y arquitecto, en 2011 comenzó a estudiar cerámica con la maestra Hilda San Vicente, especializándose en cerámica de alta temperatura y técnicas como el Raku y la mayólica. México, sus colores, sus carteles, sus leyendas, el norte, los terregales, las tolvaneras, el esoterismo, el erotismo, las fallas, la imperfección y la cultura pop son temas recurrentes en la obra de este carismático escorpión de mirada penetrante. A Lorenzo le gusta tratar su obra de manera plástica donde la pieza y el espacio llevan un diálogo intrínseco, siempre en un tinte lúdico y sarcástico. Su obra ha sido publicada por varios medios nacionales e internacionales, desde revistas como Nylon hasta periódicos como el Reforma, así como su obra ha sido expuesta en varios recintos a lo largo del país. Lorenzo actualmente reside en San Miguel de Allende donde tiene su taller, Lorenzo se puede encontrar en varias galerías de la Ciudad de México y en Querétaro, así como en San Miguel de Allende, México. Estudios: Licenciatura en Arquitectura, Universidad La Salle Laguna. 2003-2008 Grabado, Instituto Coahuila de Cultura, 2004-2009 Cerámica, Cerámica el Olvido, CDMX, 2011-2015

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Lorenzo (Torreón, Coahuila, 1985) Torreonita by birth, cosmopolitan by choice. He finished his architectural career at an early age to realize that he loved the construction of all those who surround his extravagant mind, both in volume and on paper. He began to create things to avoid going to the psychologist without realizing that this would delineate the lines that today shape his life. Eccentric, bohemian and baroque to the core, everything is part of your search for happiness. He studied in the architecture department and quickly focused on art taking painting classes with Gustavo Montes to later enter the Chanate graphics workshop, where he studied for 6 years with Miguel Canseco, took courses with different masters recognized in the art such as: the Castro Leñero, Nunnik Sauret, Gilberto Aceves Navarro, Jose Fors and Plinio Avila. A year later he moved to the federal district, where he began to work as an illustrator and architect, in 2011 he began studying ceramics with the teacher Hilda San Vicente, specializing in high temperature ceramics and techniques such as Raku and majolica. Mexico, its colors, its posters, its legends, the north, terregales, tolvaneras, esotericism, eroticism, flaws, imperfection and pop culture are recurring themes in the work of this charismatic Scorpio with a penetrating gaze. Lorenzo likes to treat his work in a plastic way where the piece and the space carry an intrinsic dialogue, always in a playful and sarcastic tinge. his work has been published by several national and international media, from magazines such as Nylon to newspapers such as the Reforma, as well as his work has been exhibited in several venues throughout the country. Lorenzo currently resides in San Miguel de Allende where he has his workshop, Lorenzo can be found in several galleries in Mexico City and in Queretaro, as well as in San Miguel de Allende, Mexico. Studies: Bachelor of Architecture, Universidad La Salle Laguna. 2003-2008 Engraving, Coahuila Institute for Culture, 2004-2009 Ceramics, Ceramica el Olvido, CDMX, 2011-2015

Ciudad de México, 1995

Zayda Ascencio is a visual artist mainly specialized in oil painting. She studied Visual Arts at the Faculty of Fine Arts of the Autonomous University of Querétaro.

She has exhibited at the Museo Soumaya in Mexico City, House of Culture of San Miguel de Allende, Center of Culture Branch of Waters in Guanajuato, Museum of Art of Querétaro, Museum of the City in Querétaro, Center of the Arts of Querétaro and Nuqleo Gallery.
She had her first individual exhibition at the Fundación Carol Rolland in March 2020.

In addition to having obtained the scholarship - trip by the
Santiago Carbonell Foundation Museum in 2018.

ENGLISH

Elizabeth Adlung is an artist who spent many years in the computer field, indulging in her artwork whenever precious time and opportunities could be found. She finds inspiration in a wide variety of techniques and mediums to create her artworks.

Although mostly self-taught, Elizabeth studied collage with Leo Manso and painting with Sam Feinstein in New York City and Eugene van Lamsweerde in France. She exhibited paintings in the 22 Wooster Gallery in New York City and jewelry in the Fuller Craft Museum in Massachusetts.

Since living in San Miguel for several years she has collaborated with Mexican metalwork artists to create colorful sparkling insects and birds. Indigenous Huichol crafts inspired her technique of attaching colorful beads to a variety of objects. To construct each piece, she uses bits and pieces of castoff jewelry, all kinds of rhinestones and beads, and carefully blends colors, textures and shapes to construct lovable, humorous birds and insects.

ESPAÑOL

Elizabeth Adlung es una artista que pasó muchos años en el campo de la informática, dedicándose a su arte siempre que encontraba tiempo y oportunidades. Encuentra inspiración en una amplia variedad de técnicas y materiales para crear sus obras de arte.

Aunque en su mayoría es autodidacta, Elizabeth estudió collage con Leo Manso y pintura con Sam Feinstein en la ciudad de Nueva York, y con Eugene van Lamsweerde en Francia. Exibió pinturas en la 22 Wooster Gallery de Nueva York y joyas en el Fuller Craft Museum en Massachusetts.

Desde que vive en San Miguel, ha colaborado con artistas mexicanos de trabajo en metal para crear insectos y aves coloridas y brillantes. Los artesanías indígenas Huichol inspiraron su técnica de adherir cuentas coloridas a una variedad de objetos. Para construir cada pieza, utiliza fragmentos de joyas desechadas, todo tipo de piedras de imitación y cuentas, y combina cuidadosamente colores, texturas y formas para crear aves e insectos encantadores y humorísticos.

(Ciudad de México, 1987)

Su proceso creativo se rige por su intuición, guiándola en un viaje en busca de formas que, al final del camino, se transforman en contenidos significativos. Su obra se centra en la percepción y la relación espacial entre la arquitectura, la naturaleza y lo humano, explorando temas como la soledad y la feminidad.

Cuenta con una licenciatura en derecho y educación, así como una maestría en la segunda. Ha perseguido su interés en el arte a través de estudios y diplomados en paisajismo, arquitectura e interiorismo. Con su producción ha encontrado un camino que sintetiza todos sus intereses.

Su carrera artística cuenta con tres exposiciones individuales, entre ellas Familias en el Jornal (Casa de la Cultura Diego Rivera, León Guanajuato, 2013), Sombra de Paisaje (Galería Torre Andrade, León Guanajuato, 2021) y Experiencia Interna (Playa Escandón, Ciudad de México, 2022), así como colaboraciones en diversas exposiciones colectivas, como “Panorama “ en la Galería Jesús Gallardo (León Guanajuato, 2022) y “El aliento de los materiales” en la Galería Eloisa Jimenez (FIAC, León Guanajuato, 2022). También ha sido seleccionada en la XIX Bienal de pintura Rufino Tamayo (2020) y la II Bienal Olga Costa (2020).

Actualmente, Mariana vive y trabaja en la ciudad de León, Guanajuato.

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( México city, 1987)

Her creative process is governed by her intuition, guiding her on a journey in search of forms that, at the end of the road, are transformed into meaningful content. Her work focuses on perception and the spatial relationship between architecture, nature and humans, exploring themes such as loneliness and femininity.

She has a bachelor's degree in law and education, as well as a master's degree in the latter. She has pursued her interest in art through studies in landscaping, architecture and interior design. With her production she has found a path that synthesizes all her interests.

Her artistic career has three individual exhibitions, including Families in the Jornal (Casa de la Cultura Diego Rivera, León Guanajuato, 2013), Sombra de Paisaje (Galería Torre Andrade, León Guanajuato, 2021) and Experience Internal (Playa Escandón, Ciudad de México, 2022), as well as collaborations in various group exhibitions, such as “Panorama” at the Jesús Gallardo Gallery (León Guanajuato, 2022) and “The breath of materials” at the Eloisa Jimenez Gallery (FIAC, León Guanajuato, 2022) . She has also been selected for the XIX Rufino Tamayo Painting Biennial (2020) and the II Olga Costa Biennial (2020).

Currently, Mariana lives and works in the city of León, Guanajuato.

ENGLISH

A watercolor artisan, she was born in Guadalajara in 1976 where she lived for 30 years, today in León, Guanajuato where she found herself with her old brushes from her university classes and returned to painting.

In León he took several theoretical and technical courses at the Antonio Segoviano School of Plastic Arts, where he discovered that watercolor is his way of expression.

It is considered a bit artisan because it looks for patterns, to create mazes of colored paper. I enjoy paper weaving, shape, texture, each wallpaper braiding creates pieces with unique and fresh stamp.

Somehow she lives inspired by natural scenes, such as oceans of distant islands, plants and flowers of jungles and tropical forests, their bright colors and shapes, ideal for watercolor.

Geometry linked to nature in the creation of organisms is another of her exploration themes, which has led her to use various techniques such as cut paper, playing with layers of paper, collage and even tissue.

This collection made up of 10 pieces is a collection of moments full of color, shapes that create textures and effects with dimension that they seek, in addition to a pleasant visual effect, to cause relaxation by being carried away by repetitive and constant shapes, a bit like the effect visually hypnotizing mazes attract and create a pleasant, comforting and even reflective effect.

Each piece reflects in some way my admiration for the elaboration of handcrafted objects, full of intuition and wisdom that withstands the passage of time, from textile fabrics, the creation of baskets and even the work of nature such as the nests of birds.

ESPAÑOL

Artesana acuarelista, nació en Guadalajara en 1976 donde vivió 30 años, hoy en día en León, Guanajuato donde se reencontró con sus viejos pinceles de sus clases de la universidad y volvió a pintar.

En León tomó varios cursos teóricos y de técnica en la escuela de artes plásticas Antonio Segoviano, en donde descubrió que la acuarela es su medio de expresión.

Se considera un poco artesana porque busca patrones, crear laberintos de papel con color. Disfruto del tejido en papel, la forma, textura, cada trenzado de papel pintado, crea piezas con sello único y fresco.

De alguna manera vive inspirada por las escenas naturales, como océanos de islas lejanas, plantas y flores de selvas y bosques tropicales, sus brillantes colores y formas, ideales para la acuarela.

La geometría unida a la naturaleza en la creación de organismos, es otro de sus temas de exploración, lo que la ha llevado a la utilización de diversas técnicas como papel cortado, jugar con capas de papel, collage y hasta el tejido.

Esta colección formada de 10 piezas es una colección de momentos llenos de color, formas que crean texturas y efectos con dimensión que buscan, además de un efecto visual agradable, causar relajación al dejarse llevar por las formas repetitivas y constantes, un poco como el efecto de los laberintos que visualmente hipnotizan atraen y crean un efecto agradable, reconfortante y hasta de reflexión.

Cada pieza refleja de alguna forma mi admiración por la elaboración de objetos artesanales, llenos de intuición y sabiduría que resiste el paso del tiempo, desde tejidos textiles, la creación de cestas y hasta el trabajo de la naturaleza como los nidos de los pájaros.

JOSE AYALA SOTELO

ENGLISH

Jose is from Ixtapan de la Sal, State of Mexico. His parents come from humble beginning, while his parents worked, they would give his brothers and Jose small pieces of clay to play with. From there he grew to love working in clay, as his talent was recognized, he had the opportunity to develop is artistic talents. While attending the university, Bellas Artes Ixtapan, he studied ceramics and other arts. His pieces are a mix of traditional and modern art.

Jose Antonio Ayala Sotelo is a Contemporary Master he won the Grand Prize for Sculptural Ceramic Art in the 43rd Concurso Nacional de Cerámica in Tlaquepaque on june 27 2019.

ESPAÑOL

José es de Ixtapan de la Sal, Estado de México. Sus padres provienen de orígenes humildes, y mientras trabajaban, le daban a él y a sus hermanos pequeños pedazos de arcilla para que jugaran. De allí nació su amor por trabajar con arcilla, y a medida que su talento fue reconocido, tuvo la oportunidad de desarrollar sus habilidades artísticas. Mientras asistía a la universidad, Bellas Artes Ixtapan, estudió cerámica y otras artes. Sus piezas son una mezcla de arte tradicional y moderno.

José Antonio Ayala Sotelo es un Maestro Contemporáneo. Ganó el Gran Premio de Arte Cerámico Escultórico en el 43º Concurso Nacional de Cerámica en Tlaquepaque el 27 de junio de 2019.

Premios y selecciones

Año Premio o selección
2019 Galardón nacional del premio nacional de la cerámica, Tlaquepaque 2019.
2018 Premio único en la categoría de nuevos diseños del concurso nacional árbol de la vida.
2017 Primer lugar en el concurso artesanal, en la categoría de alfarería Ixtapan de la sal 2017.
2017 Premio Jalisco de la cerámica, en la categoría de escultura en cerámica, en el premio nacional de cerámica, Tlaquepaque
2016 Primer lugar en el concurso de alfarería de ornato en el iv concurso artesanal de san pedro Tecomatepec, Ixtapan de la sal.

Exposiciones colectivas (selección)
Año Exposición
2019 De la tierra, Centro Cultural, los Pinos.
2008 Líneas laberínticas, Museo Universitario Leopoldo Flores
2006 Sexto salón anual de la escuela de artes de la uaemex, casa de las diligencias, Toluca, México.
2005 Sexto salón anual de la escuela de artes de la uaemex, casa de cultura de la uaemex, Tlalpan México.
2005 Octavo salón anual de la plástica mexiquense, casa de cultura de Toluca, México.

Exposiciones individuales (selección)

Año Exposición
2018 Cono abierto, escuela de bellas artes de Ixtapan de la sal.
2008 Horizonte circular, museo universitario Leopoldo flores, Toluca, México.

Excedentes de sentido, espacio cultural alebrijes, Ixtapan de la sal, México.

Ileana García Magoda

Ciudad de México | 21 de Mayo, 1985

BIO

Ileana Magoda (n. 1985) nació con disrafismo espinal oculto, un defecto de la columna que le ha causado dolor desde la infancia. Ileana creció en un hogar humilde en las afueras de la Ciudad de México. Le encantaba dibujar y aprendió a tocar música desde muy joven. Ileana estudió Diseño Gráfico en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Trabajó durante más de una década como directora de arte en publicidad televisiva y desarrolló un proyecto musical llamado Smurphy donde produjo álbumes aclamados por la crítica y tocó en festivales internacionales de música electrónica.

En 2020 Ileana dejó de lado el diseño gráfico y la música por los efectos negativos en su salud y redescubrió su pasión por la pintura, algo que no había sentido posible. Desde entonces, Ileana se ha dedicado a hacer arte inspirada en su experiencia de dolor crónico. Actualmente, Ileana está representada por Emma Donnersberg, quien ha colocado su obra en colecciones privadas internacionales

Honrando la sabiduría que llevamos dentro

Art statement

Todos venimos de una mujer, probablemente una que sufrió o fue abusada. Somos producto de un linaje de dolor, el legado de una sociedad patriarcal donde la mujer ha perdido su poder, donde nuestros úteros han sido reducidos a dispositivos reproductivos, donde nuestros cuerpos han sido reducidos a objetos sexuales. Heredamos dolores, enfermedades y afecciones que la ciencia muchas veces no puede explicar ni curar. A través de mi trabajo, trato de explorar la fragilidad del cuerpo, extraer mi experiencia del dolor, buscando más que un alivio físico, del espíritu. Estoy en una búsqueda constante de la verdad y en la pintura encuentro respuestas, pintar me lleva a otro tipo de conciencia donde la mente se desvanece y mi cuerpo despierta, plasmando un lenguaje simbólico en una imagen que resuena en los demás a través de nuestros dolores, nuestra experiencia humana de emoción, honrando la sabiduría que llevamos dentro.

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ENGLISH

BIO

Ileana Magoda (b. 1985) was born with occult spinal dysraphism, a spinal defect that has caused her pain since childhood. Ileana grew up in a humble home on the outskirts of Mexico City. She loved to draw and she learned to play music from a very young age. Ileana studied Graphic Design at the National Autonomous University of Mexico (UNAM). She worked for over a decade as an art director in television advertising and developed a musical project called Smurphy where she produced critically acclaimed albums and played at international electronic music festivals.

In 2020, Ileana put graphic design and music aside due to the negative effects on her health and rediscovered her passion for painting, something she had not felt possible. Since then, Ileana has dedicated herself to making art inspired by her experience of chronic pain. Ileana is currently represented by Emma Donnersberg, who has placed her work in international private collections.

Honoring the wisdom within us

Art statement

We all come from a woman, probably one who suffered or was abused. We are the product of a lineage of pain, the legacy of a patriarchal society where women have lost their power, where our wombs have been reduced to reproductive devices, where our bodies have been reduced to sexual objects. We inherit pain, illnesses and conditions that science often cannot explain or cure. Through my work, I try to explore the fragility of the body, extract my experience of pain, seeking more than physical relief, but of the spirit. I am in a constant search for the truth and in painting I find answers, painting myself leads to another type of consciousness where the mind fades and my body awakens, capturing a symbolic language in an image that resonates with others through our pains. , our human experience of emotion, honoring the wisdom we carry within.

CV

ESTUDIOS / STUDIES:

2003 - 2008 Licenciatura en Diseño Gráfico, especialidad en Ilustración, Facultad de Estudios Superiores Acatlán, Universidad Nacional Autónoma de México, pasante.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES / INDIVIDUAL EXHIBITIONS:

‘Cristalizaciones’, Finca Don Porfirio, del 19 de Enero a 2 de Febrero, 2023, CDMX

‘El Poder Curativo de la Imagen’, Radio Nopal,, del 2 al 30 de Junio, 2022, CDMX

‘Formas Rituales’, Momoroom, 11 de Noviembre, 2021 al 7 de Enero, 2022, CDMX

EXPOSICIONES GRUPALES / GROUP EXHIBITIONS:

‘BOLD’, The Black Piglet en Foro La Paz, 8 de marzo al 8 de abril de 2024 Ciudad de México, MX

‘Santuarios’, Galería EDJI, 24 de febrero - 23 de marzo de 2024 Bruselas, Bélgica

‘Troubling Postures’, convocatoria abierta, ASC Studios, diciembre de 2023, Londres, UK

‘Venimos a Ver’, galería de arte emergente, exposición en curso desde noviembre de 2023, Cancún, MX

‘Don’t stop, keep going”, The Black Piglet en Galería Unión, septiembre de 2023, Ciudad de México, MX

‘MAUD Art Gallery’, exposición continua desde septiembre de 2023, Edmonton, CA

‘Naturalezas Microscópicas’, espacio independiente Amalgama, agosto 2023, Guadalajara, MX

‘Obra Gris’, espacio independiente, marzo 2023, Ciudad de México, MX

‘Manuk Art Gallery’ de Lourdes Rivera, exposición en curso desde 2022, San Miguel de Allende, MX‘

‘MOONI Galería de Arte Emergente’, exposición en curso desde mayo de 2021, Ciudad de México, MX

FERIAS DE ARTE / ART FAIRS:

QIPO Art Fair, participando en el proyecto The Black Piglet, Art Week México, Feb. 2024, CDMX

Clavo Seis, participando en el proyecto The Black Piglet project, Art Week Mexico, Feb. 2024, CDMX

Clandestina Art Fair, participando en el proyecto The Black Piglet, Dic. 2023, Miami, USA

Clavo Cinco, participación en el proyecto The Black Piglet, 28, 29 y 30 de abril 2023, CDMX

FAIN Feria de Arte Emergente, seleccionada en convocatoria abierta, diciembre 2021, CDMX

Alexander Grawoig (nacido en 1988, EE. UU.) es un artista visual y empresario.

Alexander, que se formó completamente por su cuenta, decidió renunciar a los caminos académicos tradicionales para apoyar el negocio de diseño gráfico de su familia. Esta temprana inmersión en la industria creativa sentó las bases para sus diversas actividades artísticas. Después de dejar la escuela secundaria, Alexander se adentró profundamente en la música y el arte, desarrollando una profunda apreciación por varios géneros musicales, incluidos el jazz, el folk, el blues, el rock psicodélico, la música experimental y la electrónica. Sus influencias artísticas son igualmente eclécticas y abarcan movimientos como Dada, Fluxus y el expresionismo abstracto.

Desde 2008, Alexander ha ganado reconocimiento en el mundo de la música experimental, lanzando discos aclamados por la crítica en sellos como Shelter Press, Leaving Records, Preservation y Superior Viaduct. Actuando bajo alias como D/P/I y Deep Magic, y como miembro de Sun Araw, ha cautivado al público de todo el mundo en lugares como MoMA PS1 y Mutek. Sus colaboraciones con luminarias musicales como Laraaji y Orphy Robinson resaltan su talento versátil y su espíritu innovador.

En 2022, Alexander cambió su enfoque por completo a la pintura, marcando un nuevo capítulo en su viaje creativo. Su trabajo ha ganado atención rápidamente; apareció en la Semana del Arte de la Ciudad de México, realizó una exposición individual titulada “Agua” y participó en varias exposiciones colectivas en toda la ciudad.

Alexander, que actualmente reside en Mérida, México, continúa evolucionando como artista visual. Su experiencia única y sus diversas influencias dan forma a un conjunto de trabajos que transforma lo mundano en extraordinario, lo que refleja un profundo compromiso con temas materiales y metafísicos.

English:

Alexander Grawoig (b.1988, USA) is a visual artist and entrepreneur.

Entirely self-educated, Alexander chose to forgo traditional academic paths to support his family’s graphic design business. This early immersion in the creative industry laid the groundwork for his diverse artistic pursuits. After leaving high school, Alexander delved deeply into music and art, developing a profound appreciation for various musical genres including jazz, folk, blues, psychedelic rock, experimental, and electronic music. His artistic influences are equally eclectic, encompassing movements such as Dada, Fluxus, and Abstract Expressionism.

Since 2008, Alexander has gained recognition in the experimental music world, releasing critically acclaimed records on labels such as Shelter Press, Leaving Records, Preservation, and Superior Viaduct. Performing under aliases like D/P/I and Deep Magic, and as a member of Sun Araw, he has captivated audiences globally at venues such as MoMA PS1 and Mutek. His collaborations with musical luminaries such as Laraaji and Orphy Robinson highlight his versatile talent and innovative spirit.

In 2022, Alexander shifted his focus entirely to painting, marking a new chapter in his creative journey. His work has quickly garnered attention; he was featured in Mexico City’s Art Week, held a solo exhibition titled “Water,” and participated in several group shows across the city.

Currently residing in Mérida, Mexico, Alexander continues to evolve as a visual artist. His unique background and diverse influences inform a body of work that transforms the mundane into the extraordinary, reflecting a deep engagement with both material and metaphysical themes.

ENGLISH

Catalina Gris was born in Mexico City, 1985. She studied painting at the National School of Arts “La Esmeralda” in Mexico City and finished her master’s degree from the University of Guanajuato. Gris works in tecnica mixta: to construct her paintings she uses a variety of textiles dyed by hand with plants. These natural colors are visible in large areas of her pieces in contrast to thin and thick layers of acrylic and oil paint. She aims to express through these antagonic materials and an abstract pictorial language inspired by the observation of her surroundings, the irony of living in the modern Mexican city, where efforts of sustainability seem to never be enough.

Solo Exhibitions

2023 –I confess to plastic (Con FeSO4 plástico) “Espacio sin nombre” Guanajuato, Mexico
2022 –Strange plastic fish (Extraño pez de plástico) “Islera” Mexico City
2021 –Paradoxical Paradigm (Paradoja a Paradigma) “Museo Casa Diego Rivera” Guanajuato, Mexico

Biennials and Grants

2022/2021 –Creators with trajectory, PECDA Guanajuato grant for painting from SACPC Mexico, formerly FONCA
2020/2021 –Young Art Creators grant for painting from SACPC Mexico, formerly FONCA
2023 –XIII Alfredo Zalce Biennial, Museum of Contemporary Art Alfredo Zalce, Morelia, Mexico
2018 –XVIII Painting Biennial Rufino Tamayo, honorable mention, Oaxaca, Mexico
2018 –IV Painting Biennial J.A. Monroy, Guadalajara, Mexico

Art Festivals and Fairs

2021 –Art Fair FAIN, Guadalajara and Mexico City
2021 –Art Movement Clavo, Clavel at Clavo, Mexico City
2020 –Bureau of art collectors Trámite, Querétaro, Mexico
2018/2023 –Art Walk, Manuk gallery, San Miguel de Allende, México

Group Shows

2023 –“On the Guanajuato paths, Modern and Contemporary Art of the Bajío Region” Museum of Art and History of Guanajuato, León, México
2023 –Consolidated Service “Galería Dos Topos at Foro 4”, León, Mexico
2023 –Universe Constructors “Museo Casa Diego Rivera” Guanajuato, Mexico
2022 –Visual Memories Ensamble “Museo Galería de Arte Mexiquense Torres Bicentenario” Toluca, México
2022 –Creation in movement “Colegio de San Ildefonso” Mexico City
2021 –Time/Space/Refuge “Galería Libertad” Querétaro, Mexico
2019 –Dream, Gallery “Union” Mexico City

ESPAÑOL
Catalina Gris (n. CDMX, 1985). Estudió pintura en La Esmeralda y concluyó la maestría con especialidad en producción pictórica en la Universidad de Guanajuato. Gris trabaja en técnica mixta; para construir sus piezas utiliza una variedad de textiles teñidos a mano con plantas tintóreas. Estos colores naturales son visibles en áreas amplias de sus cuadros, en contraposición a capas de pintura acrílica y óleo de distintos grosores. Gris expresa a través de estos materiales antagónicos y un lenguaje abstracto basado en la observación de su entorno, la ironía de vivir en la ciudad mexicana moderna, en donde las acciones para cuidar al medio ambiente parecen diluirse.

Exposiciones Individuales

2023 –“Con FeSO4 plástico” Espacio Sin Nombre, Guanajuato, México 2022 –“Extraño pez de plástico” Islera, Ciudad de México
2021 –“Paradoja a Paradigma” Museo Casa Diego Rivera, Guanajuato, México

Bienales y Reconocimientos

2022/2021– Creadores con trayectoria, Pintura. PECDA Guanajuato, Sistema de Apoyos a la creación y Proyectos Culturales, SACPC (FONCA)
2020/2021– Jóvenes Creadores, Pintura. Sistema de Apoyos a la creación y Proyectos Culturales, SACPC (FONCA)
2022 –XIII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, Morelia, Michoacán
2018 –XVIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, mención honorífica, Oaxaca, México
2018 –IV Bienal de Pintura J.A. Monroy, Guadalajara, México

Festivales y Ferias

2018/2023 –Art Walk, Galería Manuk, San Miguel de Allende, México
2021 –Feria de arte FAIN, Guadalajara y Ciudad de México
2021 –Clavo movimiento, Clavel en Clavo, Ciudad de México
2020 –Trámite Buró de Coleccionistas, Garage Tomo 004, Querétaro y León, México

Exposiciones Colectivas

2023 –“En los caminos de Guanajuato, Arte moderno y contemporáneo del Bajío” Museo de Arte e Historia de Guanajuato, León, México
2023 –“Servicio Consolidado” Galería Dos Topos/Ft Lanza, León, México
2023 –“Constructoras de Universos” Museo Casa Diego Rivera, Guanajuato, México
2022 –“Ensamble de memorias visuales” Museo Galería de Arte Mexiquense Torres Bicentenario, Toluca, México
2022 –“Creación en Movimiento” Colegio de San Ildefonso, Ciudad de México
2021 –“Tiempo/Espacio/Refugio” Galería Libertad, Querétaro, México
2019 –“Sueños” Galería Unión, Mexico City, México

ENGLISH

Biography

Born in a small river town on the border of Slovakia and Hungary, George Kalmar moved as a young child to Philadelphia, Pennsylvania in 1965. Two consecutive gold medals in the Philadelphia Young Artist competitions spurred his serious commitment to sculpting at the age of 14. He attended Temple University where he developed an interest in wood carving. In 1971 he begun his graduate work at Indiana University where he took interest in limestone carving – an introduction to his current work with cantera stone. At the age of 32, he decided to move to Los Angeles to pursue his sculpting, writing and a professional publishing career. He was a resident artist at the Artcore Center for the Arts for a period of nine years. During these years his work was exhibited world-wide including major exhibitions in Japan, Thailand and Korea.  In 2014 he moved to San Miguel de Allende to continue his work with cantera stone, wood and iron.  He works at his studio in Atascadero.

Artist Statement

Life to me is a series of shapes and movements. In every shape there is a geometric detail. These details are composed of lines and colors and, for a sculptor, the very important third dimension. To me, as an abstract artist, the creative combination of shapes and colors and space is enough to express the beauty and emotions of the world we live in. Representational art reflects what we see around us, and abstract art to me reflects what we imagine inside us. My current work with cantera stone combines my love of an ancient volcanic stone with my own manipulations of wood and metal to complement this very giving stone. Aside from these considerations, I am always anxious to utilize local materials that have formed the art and aesthetic of where I live. 

ESPAÑOL

Biografía

Nacido en un pequeño pueblo fluvial en la frontera de Eslovaquia y Hungría, George Kalmar se mudó de niño a Filadelfia, Pensilvania en 1965. Dos medallas de oro consecutivas en los concursos de artistas jóvenes de Filadelfia lo impulsaron a comprometerse seriamente con la escultura a la edad de 14 años. Asistió a la Universidad de Temple, donde desarrolló un interés por el tallado en madera.

En 1971 comenzó su trabajo de posgrado en la Universidad de Indiana, donde se interesó por la talla de piedra caliza, una introducción a su trabajo actual con piedra de cantera. A la edad de 32 años, decidió mudarse a Los Ángeles para dedicarse a la escultura, la escritura y una carrera editorial profesional. Fue artista residente en el Artcore Center for the Arts durante un período de nueve años. Durante estos años, su trabajo se exhibió en todo el mundo, incluidas importantes exposiciones en Japón, Tailandia y Corea. En 2014 se traslada a San Miguel de Allende para continuar su trabajo con piedra de cantera, madera y hierro. Trabaja en su estudio en Atascadero.

Declaración del artista

La vida para mí es una serie de formas y movimientos. En cada forma hay un detalle geométrico. Estos detalles se componen de líneas y colores y, para un escultor, la muy importante tercera dimensión. Para mí, como artista abstracto, la combinación creativa de formas y colores y el espacio es suficiente para expresar la belleza y las emociones del mundo en el que vivimos. El arte representativo refleja lo que vemos a nuestro alrededor, y el arte abstracto para mí refleja lo que imaginamos. dentro de nosotros. Mi trabajo actual con la piedra de cantera combina mi amor por una piedra volcánica antigua con mis propias manipulaciones de madera y metal para complementar esta piedra tan generosa. Aparte de estas consideraciones, siempre estoy ansioso por utilizar materiales locales que han formado el arte y la estética del lugar donde vivo.

Sabina Solot (b.1985)

“I favor the simple expression of complex thought. I’m interested in voicing basic human emotions through the relation between color and form.

Painting is an adventure into an unknown world, which can only be explored by taking risks. I think of my pictures as journeys through the human subconscious. In this world, imagination is violently opposed to any rational sense.

As a modern artist, I have to take all of man’s plastic achievements and separate them into different components creating a piece that is as freed as possible from all human associations.”

Sabina Solot (b.1985)

“Favorezco la expresión simple del pensamiento complejo. Me interesa comunicar las emociones humanas más básicas a través de la relación entre el color y la forma.

La pintura es una aventura en un mundo desconocido y sólo se puede explorar tomando riesgos. Pienso en mis imágenes como viajes a través del subconsciente humano. En este mundo, la imaginación se opone violentamente a cualquier sentido racional. Como artista moderno, debo tomar todos los logros plásticos del hombre y separarlos en diferentes componentes creando una pieza que sea lo más libre posible de toda asociación humana.”

Paul Lozano (1982) is originally from Guadalajara, Jalisco. He studied painting at the School of Plastic Arts of the Cabañas Cultural Institute. He has exhibited individually and collectively in venues such as Ex Convento del Carmen, Raúl Anguiano Museum, Cabañas Museum, Museum of Arts, in Guadalajara. Tamayo CDMX Museum, Diego Rivera Anahuacalli Museum in Mexico City, Museum of Painters in Oaxaca, Pedro Coronel Zacatecas Museum. Outside of Mexico, he has exhibited his work in cities such as NY, Chicago, Xativa Spain, London, Tampere Finland, Banff Canada, among others. He has 13 awards and more than 60 selections in national and international competitions.

He was a scholarship holder of the Young Creators program (2009-2010) from the National Fund for Culture and the Arts. Scholar at the Center Banff Canada 2013 by FONCA, by PECDA Jalisco he obtained the Young Creators scholarship twice (2011-2012) repeating in (2017-2018). In 2016 he obtained the artistic residency at Arteles, in Tampere Finland, Second Place in the Atanasio Monroy 2016 National Award. In 2018 he was awarded the Scholarship for the Residence at Hanna Can C in Barcelona, ​​Scholar in the FONCA 2017-18 Co-Investment program, First Place in the Salon October 2018 award. Guadalajara In 2018 he was a beneficiary of the PROYECTA Production Program, In the 2020 he was awarded first place in the Jorge Martínez prize in Guadalajara, Mark Rothko International Symposium 2022 Rothko Art Center, Triennial of Latin American Art in NY 2022.

His work belongs to collections such as Il bisonte Florencia Italia, the International Museum of Mexican Art in Chicago, the Raúl Anguiano museum collection, the Atanasio Monroy art gallery, the Museum of Contemporary Art in Sofia Bulgaria, the Xàtiva Spain Museum, the Mark Rothko Museum of Contemporary Art collection.


Paul Lozano (1982) es originario de Guadalajara, Jalisco. Hizo estudios de pintura en la escuela de Artes Plásticas del Instituto Cultural Cabañas. Ha expuesto individual y colectivamente en recintos como Ex Convento del Carmen, Museo Raúl Anguiano, Museo Cabañas, Museo de las Artes, en Guadalajara. Museo Tamayo CDMX, Museo Diego Rivera Anahuacalli en Ciudad de México, Museo de Pintores en Oaxaca, Museo Pedro Coronel Zacatecas. Fuera de México ha exhibido su trabajo en ciudades como NY, Chicago, Xativa España, Londres, Tampere Finlandia, Banff Canadá, entre otros.
Cuenta con 13 premios y más de 60 selecciones en concursos nacionales e internacionales.

Fue becario del programa Jóvenes Creadores (2009-2010) por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Becario en el Centre Banff Canadá 2013 por parte del FONCA, Por parte de PECDA Jalisco obtuvo dos ocasiones la beca Jóvenes Creadores (2011-2012) repitiendo en el (2017-2018). En el 2016 obtiene la residencia artística en Arteles, en Tampere Finlandia, Segundo Lugar en el premio Nacional Atanasio Monroy 2016.
En el 2018 le otorgan la Beca para la Residencia en Hanna Can C en Barcelona, Becario en el programa de Co Inversiones FONCA 2017-18, Primer Lugar premio Salón de octubre 2018.
Guadalajara En 2018 fue beneficiario del Programa PROYECTA Producción, En el 2020 le otorgan el primer lugar del premio Jorge Martínez en Guadalajara, Simposium Internacional Mark Rothko 2022 centro de Arte Rothko, Trienal de Arte Latinoamericano en NY 2022.

Su obra pertenece a colecciones como Il bisonte Florencia Italia, Museo Internacional de Arte Mexicano en Chicago, colección museo Raúl Anguiano, pinacoteca Atanasio Monroy, Museo de Arte Contemporáneo en Sofia Bulgaria, Museo Xàtiva España, colección Museo de arte contemporáneo Mark Rothko.

ENGLISH

Since she was little, Hermine had a direct approach to art, since she grew up with her uncle, the well-known Armenian painter, Aram Macharyanre, whom Hermine recognizes as her teacher, with whom she learned music, art history, etc. since she was 6 years old. At age 8 he entered the select group of talented children from Armenia.

Her professional training was carried out in his native country, where the Yerevan Institute of Plastic Arts stands out, entering at the age of 17, and where he specialized in antique miniatures and; despite the fact that it seemed that his personal and professional life was aimed at continuing in his country, where he even carried out various painting and restoration jobs for some museums and studios in Armenia; In October 1999, she decided to move to Mexico after her husband received an invitation to visit Aztec lands from a close friend.

Without knowing the culture in detail, and completely unaware of the language, they decided to undertake the journey that, without planning it, changed their lives completely and forever.

Hermine fit so well into Mexican culture that she had to make a concession in favor of Mexicans, since Demirtshyan, her surname, was practically unpronounceable, upon noticing this difficulty, Hermine, followed the recommendation of a friend and changed her name to Demiro, a pseudonym he has used for 10 years.

ESPAÑOL

Desde pequeña Hermine tuvo acercamiento directo con el arte, ya que creció junto a su tío, el conocido pintor armenio, Aram Macharyanre, a quien Hermine reconoce como su maestro, con quien aprendió de música, historia del arte, etc desde los 6 años. A los 8 años ingresó al selecto grupo de niños talentosos de Armenia.

Su preparación profesional la realizó en su país natal , en donde destaca el Instituto de Artes Plásticas de Yerevan, ingresando a los 17 años, y en donde se especializó en miniaturas antiguas y; a pesar de que parecía que su vida personal y profesional estaba encaminada a continuar en su país, en donde incluso realizó distintos trabajos de pintura y restauración para algunos museos y estudios en Armenia; en octubre de 1999, decidió mudarse a México, luego de que su esposo recibiera una invitación a visitar tierras aztecas, por parte de un amigo cercano.

Sin conocer a detalle la cultura, y desconociendo por completo el idioma, decidieron emprender el viaje que, sin planearlo, les cambió la vida por completo y para siempre.

Hermine encajó tan bien en la cultura mexicana que tuvo que hacer una concesión en favor de los mexicanos, pues, Demirtshyan, su apellido, les resultó prácticamente impronunciable, al notar esta dificultad, Hermine, siguió la recomendación de un amigo y cambió su nombre a Demiro, pseudónimo que utiliza desde hace 10 años.

Bio

Born on the last possible day of 1963, Debra Deutsch Oliver grew up believing that dance was everything—a way to express herself, a way to meet people and experience the world around her. This early infatuation with the drama of movement led to fantasies of acting, choreographing and directing for the silver screen.

But as much as she loved the medium of show business, she didn't feel drawn to express herself that way. Instead, she pursued an education in the fine arts, earning her BFA in Studio Art from The University of Texas at Austin and her art education certification from the School of The Art Institute of Chicago. Even as she spent the next 20 years teaching art in the Chicago Public School system, she never considered her own paintings as powerful or important until she retired from teaching in 2019. It was only then that she realized that she had spent the last couple of decades teaching something that she had barely explored for her own satisfaction and artistic expression. 

To those who knew her, it was no surprise that when she finally began expressing herself on canvas, her paintings usually revolved around the magic of movement. She was drawn to capture her subjects in ecstatic motion, starting with herself dancing on the kitchen counter inside her own house.

After being featured in her own shows in Chicago, San Francisco, and Santa Cruz, Debra discovered San Miguel de Allende, Mexico and decided to make it her home in 2023. Once here, her creative pace took off as happens with so many artists, writers, musicians and other creatives once they tap into the energy of this magical town. 

Her recent works strive to capture local residents moving, dancing, twisting and turning in their indigenous settings like saloons, public squares, coffee bars, and rooftop laundry lines as well as the unstaged but picturesque streets which reflect the vibrant light and quality of life of San Miguel. Since Debra's technique involves shooting video of her subjects and then painstakingly reviewing each frame until she finds just the right 30th of a second to portray with acrylics on canvas, in many ways she is finally becoming the producer/director and choreographer she once imagined she would be.

Artist statement

You know that moment in every Broadway musical when the characters can’t help but burst into song and dance? That’s what I hope to capture in my paintings. 

I see the canvas as a stage for the theater of everyday life – a space where anything is possible. Where any ordinary task can become a dance, a moment of transformation.

 Like a live performance, my work is intended to connect intimately and emotionally with the audience. It is a vivid mix of expressive movement and spontaneous action, often involving the props that make up our daily lives. I enjoy sprinkling my paintings with visual puns, subtle humor and references to nostalgic pop culture – all of which are open to the viewer’s interpretation. I mix from a primary color palette, infusing my brushstrokes with the same sense of movement that defines my themes and subjects. 

My hope is that my art can touch the part of the human spirit that ignites joy, lightheartedness, and empowerment – those moments when words just don’t cut it, but a gesture says it all


Biografía

Nacida en el último día posible de 1963, Debra Deutsch Oliver creció creyendo que la danza era todo: una forma de expresarse, una manera de conocer gente y experimentar el mundo que la rodea. Esta temprana fascinación por el drama del movimiento la llevó a soñar con actuar, coreografiar y dirigir para la pantalla grande.

Pero, por mucho que amara el medio del espectáculo, no sentía la necesidad de expresarse de esa manera. En su lugar, buscó una educación en las bellas artes, obteniendo su BFA en Arte de Estudio en la Universidad de Texas en Austin y su certificación de educación artística en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Incluso mientras pasaba los siguientes 20 años enseñando arte en el sistema de escuelas públicas de Chicago, nunca consideró que sus propias pinturas fueran poderosas o importantes hasta que se jubiló de la enseñanza en 2019. Fue solo entonces que se dio cuenta de que había pasado las últimas décadas enseñando algo que apenas había explorado para su propia satisfacción y expresión artística.

Para quienes la conocían, no fue una sorpresa que, cuando finalmente comenzó a expresarse en el lienzo, sus pinturas generalmente giraran en torno a la magia del movimiento. Se sintió atraída a capturar a sus sujetos en un movimiento extático, comenzando por ella misma bailando sobre la encimera de la cocina en su propia casa.

Después de ser presentada en sus propias exposiciones en Chicago, San Francisco y Santa Cruz, Debra descubrió San Miguel de Allende, México, y decidió hacerlo su hogar en 2023. Una vez allí, su ritmo creativo despegó, como suele suceder con tantos artistas, escritores, músicos y otros creativos cuando conectan con la energía de este pueblo mágico.

Sus obras recientes buscan capturar a los residentes locales moviéndose, bailando, girando y retorciéndose en sus entornos indígenas, como salones, plazas públicas, cafeterías y tendederos en los techos, así como en las calles pintorescas y sin escenario que reflejan la luz vibrante y la calidad de vida de San Miguel. Dado que la técnica de Debra implica grabar videos de sus sujetos y luego revisar minuciosamente cada cuadro hasta encontrar el preciso 30º de segundo que quiere retratar con acrílicos en lienzo, de muchas maneras, finalmente se está convirtiendo en la productora/directora y coreógrafa que una vez imaginó ser.

Declaración del artista

¿Conoces ese momento en cada musical de Broadway cuando los personajes no pueden evitar estallar en canto y danza? Eso es lo que espero capturar en mis pinturas.

Veo el lienzo como un escenario para el teatro de la vida cotidiana, un espacio donde todo es posible. Donde cualquier tarea ordinaria puede convertirse en una danza, un momento de transformación.

Como una actuación en vivo, mi trabajo está destinado a conectar íntima y emocionalmente con el público. Es una mezcla vívida de movimiento expresivo y acción espontánea, a menudo involucrando los elementos que forman parte de nuestra vida diaria. Disfruto espolvorear mis pinturas con juegos visuales, humor sutil y referencias a la cultura pop nostálgica, todas las cuales están abiertas a la interpretación del espectador. Mezclo con una paleta de colores primarios, infundiendo mis pinceladas con el mismo sentido de movimiento que define mis temas y sujetos.

Mi esperanza es que mi arte pueda tocar la parte del espíritu humano que enciende la alegría, la ligereza y el empoderamiento; esos momentos en que las palabras simplemente no son suficientes, pero un gesto lo dice todo.

Máscaras de alambre es un proyecto artístico plástico, que busca sublimar los sentimientos más profundos a través de esculturas de alambre y performance lumínico. Siempre buscando crear un vínculo con el espectador que lo lleve a la reflexión sobre sí mismo y sobre la condición humana.

El proyecto inició en enero de 2017 en la Ciudad de México de las manos de los artistas autodidactas: David Miguel Herrera y Pablo Cobo. A lo largo de dos años han logrado un gran alcance gracias a sus diversas y múltiples colaboraciones.

ENGLISH

Wire Masks is a plastic artistic project that seeks to sublimate the deepest feelings through wire sculptures and light performance. Always seeking to create a link with the viewer that leads him to reflect on himself and on the human condition.

The project began in January 2017 in Mexico City at the hands of self-taught artists: David Miguel Herrera and Pablo Cobo. Over two years they have achieved a great reach thanks to their diverse and multiple collaborations.

TALLER CERAMICA LA CRUZ

Este taller se abre en 1988 con el nombre de Gallo de Oro y se cierra en 1992. En el año 2000 se abre con el nombre de Cerámica la Cruz.

Exposiciones individuales:

Aniversario de Galerías Liverpool, ciudad de México, 1989. Casa la Colmena en San Miguel de Allende, Gto.,1989. Cuarta Semana Cultural de Zacatecas, Teatro Armando Calderón, 1990. Museo Regional de Querétaro, INAH, 1990. Museo Regional, Acámbaro, Gto.,1991. Asociación Cultural Pedregal, León, Gto., 1991. Museo de Arte Contemporáneo, Morelia, Mich., Casa de la Cultura de Tlalpan, México, D.F. 1991. Homenaje póstumo a Arturo Hernández Martínez, fundador del Taller en el XXX Festival Internacional Cervantino, Museo del Pueblo, Guanajuato, Gto., 2002

Exposiciones Colectivas

Cerámica Mexicana Contemporánea, La Habana, Cuba, promovida por FONART, 1987. Casa de Artesanías en Monterrey, N.L., 1988. Muestra Artesanal en la Casa Reyes Heroles, México, D.F. promovida por FONART, 1988. Centro Cultural de la Ciudad de Chihuahua, 1989, Centro Cultural México-Americano, Monterrey, N.L, 1989. Fomento Cultural Guanajuato, León, Gto, 1989. Exposición con Alfarerías Capelo en Museo Iconográfico, Guanajuato, Gto, 1989. Galería El Cascabel, Guanajuato, Gto, 1989. Galería de Arte Víctor Navarro, ciclo de Exposiciones de Arte Latinoamericano, México, D.F. 1991. Museo de la Ciudad de León Gto., 1992. Fondo de Cultura Económica, México, D.F,, 1992. Arte Popular Guanajuatense al Mundo, Valle de Napa, California, 2000. Exposición Colectiva Itinerante en el Espiral del Arte, Instituto de Cultura de Guanajuato, Gto,. 2001. Arte Popular, XXX Festival Cervantino, Alhóndiga de Granaditas, Guanajuato, Gto., 2002.

Reconocimiento

Segundo lugar Premio Estatal a la Creatividad Artesanal, Dolores Hidalgo, Gto., 2000.

Tercer Lugar, Categoría: pieza única en Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer, Ciudad de México, 2003

Juan Luis Potocsi 1987 León GTO.

Radicado en San Miguel de Allende. GTO

Escultor contemporáneo

declaración del artista

Soy un escultor experimental que utiliza diversos materiales, en su mayoría piezas recicladas del paisaje de la ciudad, y técnicas como el tallado, el modelado y la soldadura para construir personajes mitológicos y enigmáticos. Mi trabajo se basa en la capacidad del cuerpo humano para transmitir emociones.

La anatomía, el lenguaje corporal y los rituales posmodernos son algunas de mis fuentes de inspiración. Exploro la relación simbiótica entre el cuerpo, los materiales y las emociones. El resultado final es una figura misteriosa que me permite permanecer conectado con las sensaciones primarias.

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contemporary sculptor

artist statement

I am an experimental sculptor who uses various materials, mostly recycled pieces from the city landscape, and techniques such as carving, modeling and welding to build mythological and enigmatic characters. My work is based on the ability of the human body to transmit emotions.

Anatomy, body language and postmodern rituals are some of my sources of inspiration. I explore the symbiotic relationship between the body, materials and emotions. The final result is a mysterious figure that allows me to stay connected with primary sensations.

Exposiciones

“Ensamble visual” Museo Torres Bicentenario, Toluca, MX. 2022

"Panorama" galería Jesús Gallardo, León GTO. 2022

"Tú y yo" Museo bicentenario de dolores Hidalgo. 2020

"Somos calle" Casa Liceo. Gdl. Jalisco. 2019

"Asmodea" Centro de las artes. QRO.Qro. 2019

"50 años de lasallismo" MIM, León GTO. 2018.

Incubadora 3.0. Gdl. Jalisco. 2017

"Historias en carbón" Museo verde. León gto. 2017

"Somosformasomos" Universidad de Guanajuato. León gto. 2009

Estudió fotografía en la U. De G., sin embargo, la pintura y el arte urbano ha sido parte primordial en su carrera artística. Su obra pictórica se ha consolidado en el arte abstracto simbólico. Comenzó su carrera como muralista por el año 1999 haciendo graffiti, que posteriormente se convertiría en muralismo abstracto, concretando su estilo, su paleta de color y técnicas.

Actualmente sigue realizando murales y lienzos, con acrílico, aerosol, óleo, óleo pastel y acuarela, implementando técnicas mixtas y experimentales. Su obra ha sido expuesta en diversas muestras internacionales colectivas en España, Portugal, New York, y ha participado en bienales en Costa Rica y Perú.

Diseñador gráfico por la Universidad de La Salle Bajío. Desde el año 2003 se ha desarrollado además, como artista plástico, exponiendo en diferentes ciudades de la República Mexicana y Estados Unidos. Representa sus obras principalmente por medio de técnicas mixtas de pintura, pero utiliza también la serigrafía y la ilustración digital como medios de expresión. Su estilo se caracterizó en un principio por la representación figurativa mezclada con expresiones y trazos de apariencia accidentada; eso ha ido evolucionando a otros estilos que van desde el plano abstracto hasta la pintura no objetiva. Siempre en aras de la representación, utiliza diferentes recursos plásticos que dejen en claro sus intenciones pictóricas y de narrativa visual.

Manifiesto

Veo mi obra como un ejercicio de traducción de información codificada en un proceso ágil y automático, de este ejercicio resulta una afortunada mezcla que al final se acerca demasiado a la imagen inicial que tenía en mente, con más ganancias que pérdidas consigo plasmar imágenes para contemplación y convivencia, ya que percibo el arte como una poderosa conexión entre el espectador y la pieza, una unión que detona pensamientos y sensaciones diversas.

En el arte no objetivo encuentro la comodidad de un universo de expresión que me permite sembrar inquietudes e interrogantes en el espectador, retándolo de manera sutil a explorar la obra, sacando conclusiones y apropiándose de ella.

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Graphic designer from the University of La Salle Bajío.

Since 2003 he has also developed as a plastic artist, exhibiting in different cities of the Mexican Republic and the United States.

He represents his works mainly through mixed painting techniques, but also uses screen printing and digital illustration as means of expression.

His style was initially characterized by figurative representation mixed with expressions and strokes of rugged appearance; That has evolved into other styles that range from the abstract plane to non-objective painting. Always for the sake of representation, he uses different plastic resources that make his pictorial and visual narrative intentions clear.

Manifest

I see my work as an exercise in translating coded information in an agile and automatic process. This exercise results in a fortunate mix that in the end is too close to the initial image I had in mind, with more gains than losses I manage to capture images for contemplation. and coexistence, since I perceive art as a powerful connection between the viewer and the piece, a union that triggers diverse thoughts and sensations.

In non-objective art I find the comfort of a universe of expression that allows me to sow concerns and questions in the viewer, subtly challenging them to explore the work, drawing conclusions and appropriating it.

Sacha Beverley is an award winning abstract artist originally from the Gold Coast, Australia, now based in Puerto Vallarta, Mexico since 2018.  With a background in interior design, she understands the power of art to transform a space, not just visually, but emotionally. Her work is bold, expressive, and deeply layered, inspired by movement, nature, and the energy of the world around her. Through colour, texture, and form, she creates paintings that evoke emotion, spark joy, and bring a sense of harmony to those who experience them. 

Beyond aesthetics, Sacha believes in the therapeutic benefits of art, both in its creation and in the way it connects with people. Painting is her form of meditation, a way to channel emotions and tell untold stories. Many art collectors have shared how her work brings them a sense of calm and inspiration, reinforcing her belief in art’s healing power. 

Her paintings are currently sold through gallery exhibitions in Puerto Vallarta and San Miguel De Allende. Sacha also engages with collectors worldwide through her website and social media.